Sat. May 21st, 2022


Voor het eerst uitgevoerd in 1990 door Jonathan Larson als een grotendeels autobiografische soloshow, tik, tik… BOEM! werd pas in 2001 een volwaardige musical, vijf jaar na Larsons vroegtijdige dood de dag voor zijn HUUR off-Broadway geopend. In zijn regiedebuut voor een speelfilm regisseert Lin-Manuel Miranda een nieuwe bewerking van BOOM! naar een scenario van Steven Levenson, de Tony Award-winnende schrijver van Beste Evan Hansen. Choreograaf Ryan Heffington ontwikkelde beweging voor de film, die vanaf 19 november beschikbaar is op Netflix.


Ryan Heffington, een blanke man met dun haar, een indrukwekkende peper-en-zoutsnor en stoppelbaard, staart aandachtig naar de camera met grote blauwe ogen.  Achter hem zijn tientallen netjes op afstand van elkaar geplakte vellen papier met handgeschreven notities in meerdere kleuren aan een muur geplakt.

Ryan Heffington

Ryan Heffington

Als er een choreograaf is die mensen associëren met Lin-Manuel Miranda, dan is het waarschijnlijk Andy Blankenbuehler. Je bent een heel ander soort choreograaf. Waar vonden jij en Miranda overeenstemming?

Lin was erg … hoffelijk, is een goed woord, over mij te laten doen wat ik doe. Hij stuurde me wat video’s als inspiratie en ik kon het gewoon van daaruit overnemen. Zijn bibliotheek, van wat dan ook, is behoorlijk diepgaand. Hij is een encyclopedie. de dans in In de Hoogten werkt daar prima voor; waarvoor ik heb gemaakt tik, tik… BOEM! werkt geweldig voor Dat.

Deze film herenigt jou en Andrew Garfield, met wie je hebt gewerkt aan de video “We Exist” van Arcade Fire.

En op de film van Gia Coppola mainstream. We hebben altijd een goede band gehad. Hij is zo goed geïnformeerd over de personages waaraan hij werkt, wat me op een dieper niveau informeert over wat wel of niet zal werken. Een van de mooiste dingen aan het samenwerken met getalenteerde acteurs is het inzicht dat ze hebben. Het gaat er echt om naar hen te luisteren.

In de mate dat een acteur als Garfield bewegingsmateriaal voorstelt?

Meer qua impressies en stemmingen. Andrew doet eigenlijk dansen veel zoals Jonathan Larson deed – ze kunnen allebei echt vrij zijn. Andrew is zo multidimensionaal in termen van lichamelijkheid en spraak, en hij heeft echt zijn huiswerk gemaakt. Sommige scènes improviseerde hij, en ik dacht: “Geweldig. Daar hoef ik niet eens aan te raken.” Maar dan werkten we samen aan iets specifiekers omdat ik als choreograaf vond dat er een bepaald gebaar in moest zitten.

En dan is er Susan, een personage in de film die is een danseres, gespeeld door Alexandra Shipp. Heb je geprobeerd haar te onderscheiden van degenen in de film die? zijn niet danseressen spelen?

Absoluut. De hoeveelheid training die in Alexandra’s karakter ging, was veel uitgebreider. We zijn maanden op stage geweest, ballet en modern, om haar fysiek te informeren.

Je bent een kind uit Californië en een artiest uit LA, maar deze film is zo’n New Yorks verhaal.

Ik ben altijd geïnspireerd geweest door musicals en heb ze zien opgroeien, dus dat zat in mijn achterzak. Ik heb meer muziekvideo’s en commercieel werk gedaan, maar als artiest moet je die oogkleppen afdoen en inspiratie opdoen uit andere soorten kunst. Ik zou niet zeggen dat er één ‘New York-perspectief’ is in dans, want ja, er is Broadway, maar er is ook dans in het centrum en zo. Ik probeerde gewoon met mijn gevoel mee te gaan.

Jonathan Larson was het grootste deel van zijn leven werkarm. Waren de dingen ooit zo economisch zwak voor u?

voor bij minst een decennium, zou ik zeggen, werkte ik op de grond en sliep op de bank in bijna vervallen kraakpanden, [laughs] mijn laatste dubbeltje uitgeven aan een drankje voor een vriend. Maar dat waren ook enkele van de rijkste jaren van mijn leven, omdat mijn vrienden en ik in hetzelfde schuitje zaten. We hadden niet veel middelen, dus we zouden dingen recyclen en onze eigen pruiken maken en dingen repareren met ducttape. Het is een geweldige les: je hebt niet veel nodig in het leven om te creëren.



By admin