Mon. May 16th, 2022


Midden in Benji Pearsons laatste optreden als leerling bij het San Francisco Ballet voelde hij zijn knie het begeven. Pearson verdrong de pijn en bleef les volgen – binnen een paar weken zou hij als korpslid beginnen te dansen bij Boston Ballet, en hij zou niet aan de kant worden gezet door een blessure.

“Ik voelde veel druk om me bij een nieuw bedrijf aan te sluiten en een goede eerste indruk te maken”, herinnert Pearson, 22, zich. Dus hield hij zich stil.

Pearson kwam door het herfstseizoen door heimelijk bewegingen aan te passen. Maar bij Notenkraker, de blessure was verergerd. Een lid van de artistieke staf zag hem behoedzaam zijn knie bewaken tijdens de “Russische” repetitie en trok hem opzij en zei hem dat hij het moest laten evalueren.

“Ik was echt bang om ze te vertellen dat er iets mis was”, zegt Pearson. Angsten over de casting en het contract voor volgend seizoen vulden zijn gedachten. Eindelijk, na meer dan een jaar op een gescheurde meniscus te hebben gedanst, zocht hij behandeling buiten het seizoen.

Dansers in groene unitard slaan lange tendu-lijnen tegen een zwart podium
Benji Pearson (midden) in William Forsythe’s Blake Works I. Foto door Angela Sterling, Courtesy Boston Ballet

Van jongs af aan wordt dansers geleerd dat pijn hoort bij het territorium, zegt Ronni Favors, repetitor van Alvin Ailey American Dance Theatre. “Dans is niet natuurlijk”, zegt Favors. “We rekken ons lichaam tot het uiterste.” Denk aan een jonge, beïnvloedbare danser die voor het eerst zijn spleten ontwikkelt of spitzen inbreekt – eigenlijk doet alles pijn.

“We zijn zo gewend om omringd te zijn door mededansers die met hetzelfde of erger te maken hebben dan wij”, zegt Pearson. “Waarom zou ik mijn mond opendoen of mezelf hierbuiten houden als mensen het veel moeilijker hebben en nog steeds dansen?”

Sarah Edery-Altas, klinisch specialist en fysiotherapeut bij NYU Langone’s Harkness Center for Dance Injuries, ontmoet dansers die dagelijks blessures doorstaan. “Ze weten min of meer dat dat niet klopt”, zegt ze, “maar het is gewoon genormaliseerd in de danscultuur.” De portretten van de popcultuur van dansers die bereid zijn om prestaties voorrang te geven boven gezondheid – denk De rode schoenen en Zwarte zwaan-help niet met dit systemische probleem.

Peter Boal, artistiek directeur van Pacific Northwest Ballet, kent de mentale gymnastiek en rationalisatie die door het hoofd van een danser gaan. “Je vraagt ​​je zo vaak af hoe geldig de pijn is, of hoeveel stem je aan die pijn moet geven”, zegt hij. “Je hebt honderden van dat soort gesprekken met jezelf.”

Iedereen, van het publiek tot de artistieke staf tot collega-gezelschapsleden, verwacht dat dansers zichzelf presenteren als etherisch en buitenaards, maar veerkrachtig en capabel blijven achter de schermen.

“Dansers moeten veel uitdagingen aan om dat voor elkaar te krijgen”, zegt Eery-Altas. “En dat houdt ook in dat ze niet de hele tijd voor zichzelf zorgen in het belang van hun publiek.”

Wanneer blessures onvermijdelijk optreden, voelen dansers schaamte, sociaal stigma en een enorme druk om zo snel mogelijk weer op te knappen. Dit betekent een risico nemen door de ernst te bagatelliseren of het helemaal te verbergen uit angst.

De ironie is dat de meeste dansers zich ervan bewust zijn dat dansen op een blessure destructief is en het genezingsproces kan verlengen. “Het is een rare relatie die we hebben met ons lichaam, omdat we altijd moeten pushen om te bereiken wat we moeten bereiken”, zegt Favors. “Maar tegelijkertijd moeten we kunnen luisteren en opmerken als er iets niet goed voelt.”

Julia Radick, een voormalig professioneel danseres die werkt aan een doctoraat in fysiotherapie, kampte jarenlang met chronische rugspasmen tijdens het dansen bij Les Ballets Jazz de Montréal en NW Dance Project. Ze kwam de meeste dagen en optredens door door spierverslappers en ontstekingsremmende medicijnen te nemen, “wat waarschijnlijk slecht was”, geeft ze toe. Op dagen dat de krampen zo hevig waren dat ze niet kon lopen, meldde ze zich liever ziek dan dat ze toegegeven had dat ze gewond was.

“Ik heb de hele tijd tegen mijn baas gelogen omdat ik zo bang was om de waarheid te vertellen”, zegt Radick. “Elke keer dat ik mijn mond uitstak, leidde dat ertoe dat ik onderdelen of kansen misliep, en het gevoel had dat ik iets verkeerd had gedaan door gewond te raken.”

Voor op optredens gebaseerde dansers die optreden zonder het vangnet van een ziektekostenverzekering of werknemerscompensatie, is de inzet nog hoger. In 2014, tijdens een callback, maakte freelance danser Jeffrey Sykes een sprong en hoorde een hoorbare “knal” van hun enkel, maar bleef dansen. De choreograaf wilde ze de zin opnieuw zien doen. “Er was voor mij geen andere manier om te bewijzen wat ik waard was, behalve dans op dat moment”, zegt Sykes, 34. Sykes boekte het optreden en bracht de volgende maanden door met het bedekken van hun verstuikte enkel. Ze raakten bevriend met een acupuncturist en kregen korting op afspraken en maakten gebruik van de trainingsapparatuur bij hun fitnessbaan, in een poging stilletjes zelfmedicatie te geven. “Ik heb het aan niemand verteld, ik heb geen tijd vrij genomen”, zeggen ze. “Ik zou elke dag mijn enkel omwikkelen, pop Advil, en het werd uiteindelijk een chronische enkelblessure.”

Cultuurveranderingen gebeuren niet van de ene op de andere dag, maar er zijn enkele voor de hand liggende stappen die deze cyclus van bovenaf kunnen stoppen.

“Het zal jaren duren om dit te doen,” zegt Radick, “maar de mensen vooraan in de zaal moeten ophouden met het beschamen van dansers omdat ze geblesseerd zijn.”

Betere voorlichting over blessurepreventie en revalidatie gaat een heel eind: “Leraren beginnen te werken vanuit een meer anatomisch brein en vanuit een realistisch oogpunt”, zegt Favors. Studenten aanmoedigen om binnen de structuur van het lichaam te werken en onderscheid te maken tussen “goede” en “slechte” pijn, kan een deel van de stress verlichten die dansers op hun lichaam uitoefenen, zegt ze.

Financiering om te betalen voor hulpmiddelen om blessures te voorkomen, zoals hightech hersteluitrusting of sportscholen voor geschikte crosstraining, zou dansers ook in staat stellen zich te concentreren op genezing en uiteindelijk een langere carrière te hebben in het fysiek veeleisende beroep.

“Er zit gewoon niet hetzelfde bedrag in wat we doen als in andere arena’s waar je lichaam op het spel moet worden gezet”, zegt Elizabeth Burke, repetitor en co-dance-captain van Dorrance Dance.

Strakke communicatie tussen artistieke staf, medische staf en financiële belanghebbenden zou helpen om de verschillende prioriteiten van de groepen in evenwicht te brengen, zegt Eery-Altas. In een ideale wereld zouden zorgverleners bijvoorbeeld al vroeg in het proces met choreografen samenwerken om de fysieke eisen van het stuk te begrijpen, zegt ze. Vervolgens zou een preventieprogramma specifiek voor de choreografie en de individuele dansers in het werk kunnen worden ontwikkeld om overbelastingsblessures te helpen voorkomen. Werk in deze richting begint al te gebeuren in sommige bedrijven zoals Atlanta Ballet.

Een blanke vrouwelijke tapdanser springt naar voren, haar armen zijwaarts voor evenwicht, voor een andere danseres
Elizabeth Burke treedt op met Dorrance Dance. Foto door Noor Eemaan, met dank aan Burke

Robert “Tony” Wright, een freestyle-danser uit St. Petersburg, Florida, en visioning-coördinator voor Dance Artists’ National Collective, zegt dat dansers kanalen nodig hebben om voor zichzelf op te komen, vooral freelancers die banen kunnen aannemen door middel van informele handdrukovereenkomsten. DANC wil dit oplossen door freelancedansers een contractsjabloon te geven om te helpen onderhandelen over veilige en rechtvaardige werkomstandigheden, zegt hij. Het contract bevat zaken die blessures kunnen helpen voorkomen, zoals tijd en ruimte hebben om goed op te warmen, en een protocol dat moet worden gevolgd als een danser gewond raakt, zoals ervoor zorgen dat dansers volledig worden betaald voor het observeren van een repetitie terwijl ze geblesseerd zijn.

Binnen gezelschappen kunnen dansers ervoor zorgen dat hun collega-performers worden ondersteund en de ruimte krijgen om bij een blessure even uit te rusten. “Het hebben van echte studenten zou enorm zijn”, zegt Radick, omdat artiesten het gevoel zouden hebben dat ze de mogelijkheid zouden hebben om te buigen zonder dat de hele onderneming afbrokkelt.

“Dansers leggen een enorme druk op zichzelf”, zegt Boal. “Ze voelen zich plichtsgetrouw om het bedrijf, de show en hun collega’s te helpen. Je moet het in elkaar gezette tapijt niet ontrafelen door een draad te verwijderen.”

Onmiddellijke veranderingen in het systeem lijken misschien onmogelijk, maar dansers hebben het vermogen om te beïnvloeden hoe ze erin bestaan ​​en veranderingen door te voeren, zegt Favors. “Ik denk niet dat je jezelf een plezier doet door stil te blijven en een gevangene te zijn van onze eigen angst om ons uit te spreken”, zegt ze. “Zoals Martha Graham zei: ‘Het lichaam liegt nooit’, en als er iets mis is, komt het vroeg of laat naar buiten.”

By admin